這篇我要引用的不是在 "The Camera" 這本書的文字，而是 "The Negative" 裡面的文字。
引用：
請自己一定要讀一下 Ansel 寫的文字，多讀幾次。Ansel 的文字是精準派的，也就是說：「每個字都是必須的存在(少了意思就不對了；寫了就一定有要傳達的意思)，且不能換同義字(因為他已經用了最適切的那一個字)。」所以務必每個字都讀進去，都咀嚼一番，才會發現其中的深思熟慮，少少的文字裡面，廣度與深度兼具。以不同的情境來辯駁，都無法打倒。
[我最近也在讀另一本書，對比就很強烈。文字常常讀了一整面完全沒有講到重點，充滿了沒有必要的形容詞。那還無妨，偏偏那些形容詞太不精確，沒幫助理解之外，還模糊了他真正要表達的觀念，越看越不知道他想說什麼，最終只好定板：「就是廢話而已。」，讀來著實痛苦～ 但那本書的圖解部分，卻相當實用。而 Ansel的文字，你細讀每個字，都有他的道理。不需要的字，也找不到。]
Ansel 在"The Camera"書裡，開宗明義就說了，一旦光線進入到相機，就已經失真了。所以並沒有所謂「在數據上100%符合真實世界的攝影」這種可能，只有「比較接近」跟「比較不接近」這兩種。既然從 曝光、顯影、列印 一路下來都在失真，那我們更要知道怎麼個失真法？才談得上選擇：「貼近原始世界，還是曲解成另一種世界。」如果不去控制這中間的過程，那只是在 碰運氣而已，談不上創作。
而 Ansel 的大部分作品，選擇了去「重現他在現場的視覺觀感」
這邊舉一個例子
Ansel 還算生涯早期時，某次與朋友去登山。一路辛苦的登頂了，望過去是一座高聳的山頭，充滿壓迫感。於是架好相機，對著眼前的景觀構圖，使用傳統黃色濾鏡拍了一張後，他突然想到：「這樣出來的照片或許曝光上是正確的，但是卻一點氣勢與壓迫感都沒有了，這是我要的嗎？」
結果 Andel 換上了暗紅色濾鏡，屆此讓天空暗沉、山的陰影加深、遠方的地平線更清晰，讓最終相片呈現出一種宏大的魄力。在數據上更偏離了現場的實際情況，但在視覺印象上反而貼近他在現場的觀感。
我想講到這邊各位就了解了，何謂「視覺上的寫實派」。同時，也可以理解為什麼要專研 曝光、顯影、列印 這中間的變數、以及如何交互作用，然後去操作它們，來達到希望的最終視覺效果。
這是一種更精確、更有效率的「創作」方式。
而透過這個例子，我們更能體會為什麼 Ansel 會整理出 Zone System 來幫助大家溝通、操作這個稱作「攝影」的創作媒介。
為什麼有必要去透過操弄這些攝影變數來達到觀感上的寫實呢？
除了攝影器材無法直接複製世界外，我們的大腦也不是直接複製世界，而是透過一個「類比」的方式來解釋影像。
舉例
當我們進入到一個無光線的黑暗房間
「點燃一根蠟燭」，我們的大腦覺得這間房間：「有一根蠟燭照明下那麼亮」
「點燃第二根蠟燭」，這時我們的大腦卻覺得這房間：「比剛剛還亮，但感覺到的明亮度沒有達到兩倍」
我們繼續點第三根，大腦也不會覺得房間的明亮度變三倍。
但是今天如果是測光錶，兩根蠟燭的照明的亮度，數據上剛好就是一根蠟燭的兩倍；三根蠟燭。就是三倍明度。注意到問題所在了嗎？
如果你堅持在數據上與真實世界一致，事實上你創作出來的影像，卻與大腦感受的的世界偏差更遠了。
以「視覺觀感寫實派」來說
如何控制影像在最終的相紙上畫面裡各部分呈現的亮度，來 符合 大腦在現場感受到的亮度比例，就是一門功課。
以「視覺觀感扭曲派」來說
如何控制影像在最終的相紙上畫面裡各部分呈現的亮度，來 扭曲 大腦在現場感受到的亮度比例，仍舊是一門功課。
不管是哪一派，都沒道理不去了解 zone system，再來決定怎麼用、何時用？
而透過這系統，也讓不同的人可以快速溝通。
例如我說：這邊我要很亮，但得留下充分細節，不要過曝。聽起來有點主觀、模糊，對吧？
在 zone system 裡面，你可以直接說：我在相片上的顯示效果，希望畫面裡這地方剛好落到 Zone VIII 的曝光區間。
而這樣的亮度，剛好就是比 18%中間灰* 亮三級，沒有人會誤解、弄錯你的意思。
*18%中間灰為 Zone V
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